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JORGE MOLDER
A sua biografia começa sempre por dizer que estudou filosofia, na Universidade de Lisboa, como se do reflectir à imagem fosse um caminho menos óbvio. Move-se no meio da fotografia, construindo séries onde a sua presença física, o seu rosto e as suas acções, têm o papel principal, fixas num preto e branco que nos remete para inúmeras referências visuais. Jorge Molder, a quem em 2010 foi atribuído o Grande Prémio Fundação EDP / Arte, um dos mais importantes prémios das artes visuais em Portugal, conversou com a Artecapital a propósito não só da exposição que tem neste momento no Círculo de Bellas Artes de Madrid, mas também sobre a situação actual do panorama artístico nacional.
Por Liz Vahia e Victor Pinto da Fonseca
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LV: Tem neste momento patente uma exposição no Círculo de Bellas Artes de Madrid, “Rico, pobre, mendigo, ladrón”, que resultou da atribuição do Grande Prémio Fundação EDP /Arte 2010. Nela se incluem séries que abarcam um período que remonta até aos anos 1990. A escolha e montagem das séries teve algum intuito de trajectória? Para alguém que pensa a imagem fotográfica em séries, como é que estas se acomodam entre si numa exposição?
JM: Uma exposição assim é sempre uma possibilidade; há outras, certamente. Tem a haver com um arranjo de coisas que mostra um bocado de caminho que nos parece significativo. É igualmente uma conversa que cresce com um comissário, aqui o João Pinharanda, que conhece as minhas coisas de ginjeira. Como lhe disse, há muitas outras possíveis combinações, que podiam mostrar outros pequenos segredos, mas o coração permaneceria reconhecível. E também não se pode remover a casa: o sítio que acolhe também tem sempre uma importante palavra a dizer, como o foi neste caso.
As séries encontram sempre modos de viver umas com as outras, não são tão leibnizianas quanto isso. E, dentro delas, as fotografias não têm propriamente uma existência monacal, são por natureza dadas e preparadas para as mais diversas contaminações.
Vou-lhe contar uma pequena história: eu tenho um larguíssimo número de DVDs que passo a vida a arrumar pelas separações mais evidentes, desde os realizadores, passando pelos géneros, as épocas, os actores, o classicismo e sei lá mais o quê. Pois olhe que estão sempre todos misturados e essa permanente confusão que sempre se engendra por mais esforços disciplinares da minha parte, obriga-me a um rearranjo permanente, que eu explico como fazendo parte do meu carácter desordenado mas também como um inevitável exercício de rememoração: isso obriga-me a vê-los mesmo que não os veja.
Com as fotografias é a mesma coisa.
Podíamos igualmente falar das interacções, das boas e das más companhias, mas isso fica para a próxima.
LV: No seu trabalho há uma remissão a várias referências da literatura, cinema ou mesmo à história da fotografia e a um certo imaginário visual colectivo. Essa sensação de enredo que se cria nas suas séries questiona o lugar que o próprio autor, que é também o retratado, tem nelas. Concorda quando Alberto Ruiz de Samaniego afirma no catálogo da exposição que “a fotografia é uma máscara ou mascarada do eu”?
JM: Neste caso sem dúvida e o mais possível.
Mas voltemos ao princípio. Os começos são regra geral de origem duvidosa e quanto às continuações muito há que dizer. Quando mais se quer traçar um quadro preciso de referências mais o terreno se torna fugidio. Sempre parti disto ou daquilo e sempre fui aumentando o novelo juntando-lhe pedaços de outras coisas que entretanto surgiam. Muito embora sempre tenha sentido que quando era preciso o acaso me aparecia, ou posso mesmo dizer, me socorria. Junte-lhe outras coisas por favor: as coisas do dia, os encontros e mais os desencontros.
Quanto ao que o Alberto Ruiz de Samaniego diz vamos devolver-lhe um sentido mais preciso: ele está sempre a referir uma distância ou um espaço intransponível, entre o eu e a máscara, ou mascarada, se preferir. Procurei inúmeras vezes enganar, com fraco sucesso, essa distancia, a que talvez prefira chamar fosso.
VPF: A tenção artística que encontro nas suas fotografias concilia constantemente o equilíbrio entre interior e exterior, corpo e intelecto. O Jorge Molder, à semelhança do actor Kirk Douglas, é também simultaneamente actor e duplo das personagens que as suas fotografias representam; mas ainda que a coragem seja matéria da sua obra, muitas das fotografias parecem mostrar que o Jorge tem uma modesta visão do indivíduo?!
JM: Há uma cena fantástica no 1º filme do Super Homem em que o Gene Hackman (Lex Luthor) vai a fugir com a assistente e ela faz-lhe uma série imparável de questões: para onde vamos? estamos nós a fugir de quem? acha que temos hipóteses? Sei lá... O Gene Hackman responde-lhe: mrs......... isto é uma fuga, não é um seminário de filosofia.
O Victor desculpe esta deriva mas a sua questão não é fácil; não é mesmo nada. Eu acho que essas coisas de que fala não são bem assim. Há sempre roturas e brechas que permitem deslocações inesperadas e olhadelas de duplo sentido. Mesmo correndo o risco de me contradizer, há algo que fui aprendendo com o tempo: somos sempre uma coisa e outra e isto não faz parte da ordem das decisões. Acontece quer queiramos quer não.
Também tenho no nox uma imagem do homem que foge, saquei-a ao Fritz Lang. É no momento em que a hesitação confunde a prudência e a cobardia. Mais tarde, as coisas são quase sempre mais claras e já podemos dizer que isto é isto e aquilo é aquilo.
Também, talvez, um dia saiba responder com segurança à sua pergunta.
LV: Esta questão do “eu” e do “outro” é uma constante no seu trabalho, chegando a uma “petrificação” dessa ideia na série Pinocchio, por exemplo. Nesta série, os traços do rosto, os gestos e as emoções solidificam-se. A máscara autonomiza-se da própria cara. A fotografia é para si também um meio de se autonomizar de si próprio?
JM: Nós precisamos sempre de dispor da distância para alcançarmos a proximidade. É daquelas banalidades da filosofia, mas sem a qual a nossa vida é impossível. Acompanha-nos permanentemente. Pinocchio foi um encontro, a série surgiu como algo que não premeditei mas de que me fui dando conta. As “réplicas” que lhe deram origem foram pensadas para situações diferentes e que se verificaram: uma no CEGAC, em Santiago de Compostela, e a outra em Madrid, na Telefónica. Foi no rosto destes dois projectos que as imagens de registo foram criando vida e autonomia.
Mas numa séria mais recente, dois deles, diria que esta relação com o outro, que ao fim e ao cabo não é tão outro como isso, torna-se porventura mais evidente.
LV: Além disso, as fotografias do Jorge Molder remetem mais para uma ideia de presença do que de representação. Se calhar pelo carácter teatral que algumas transmitem, como se guardassem essa característica do corpo presente do performativo. Quando trabalha tem em mente uma ideia de personagem ou de algo mais plástico materialmente?
JM: Vamos lá a ver se entendo bem o sentido da sua pergunta. Falamos de representação num sentido teatral mas descontínuo: como se uma lâmina gelasse uma fracção pontual dum contínuo. Como um dos célebres momentos da seta de Zenão. É uma artimanha, esta descontinuidade faz parte dos procedimentos “artísticos”. O digital facilitou-nos a ideia, dantes pertencia mais ao mundo das abstracções, agora convivemos bem com ela. Podemos parar imagens quando queremos e os processos narrativos não seguem obrigatoriamente as normas do princípio, meio e fim.
Eu acho que as duas são verdadeiras, a do “personagem” e do “algo mais plástico”. Mon coeur balance. Mas embora ache que não há uma sem a outra. A segunda atormenta-me mais. Ao fim e ao cabo o que eu estou a fazer é uma imagem, que só depois é que vai ser vista. Isto se for.
LV: Nas suas imagens encontramos um isolar dos rostos, dos objectos, num fundo negro que os envolve. Parece-me que há uma certa emersão e imersão no negro, como uma aparição súbita ou uma dissolução, como na série Nox. Poderíamos dizer que há aqui um jogo entre o tempo e a morte, sendo a fotografia testemunho de um momento preciso nessa linha?
JM: Vivo muito de expedientes: acho que todos os artistas são especialistas em expedientes e pretextos. Um deles é o sonho. Essa imersão no negro faz parte deles; é uma parte de um problema que muito tempo foi e veio até que um dia, sonolentamente, antevi uma resposta para a minha questão: dei-lhe e dou-lhe bom uso.
Muito curiosamente, a minha série que mais tem a ver com a morte, Pinocchio, é clara.
Faz-me pensar que os modos claros e distintos de nos socorrermos, nunca são tão claros e distintos quanto isso.
VPF: O Jorge faz parte de uma geração que fez a transição para a democracia e que nos anos 80 e 90 viveu o esplendor. Concorda que se pode considerar que existe um desencanto, uma certa sensação de frustração de uma geração que sonhou certamente com um novo mundo para a arte? Se acreditarmos que o que aconteceu no passado tem muito a ver com o que somos hoje!
JM: Não vou tão longe: esplendor soa-me assim a uma corte exuberante. Fico-me por uma boa confiança. Houve tempos que achei termos chegado a um chão mais estável, a essa confiança de que certa melhoria tinha vindo para ficar. Agora vivemos num mundo instável onde as fragilidades dos mais fracos parecem um dado natural e a ignorância e “espertismo” dos que mandam é simplesmente confrangedora. Há uma espécie de insolência orgulhosa perante a qual só podemos já mostrar espanto. A argumentação foi-se.
Pois é, é imprudente atravessar a rua com os olhos fechados.
VPF: No século XXI, Portugal não se expandiu no sentido revolucionário de criarmos uma visão global da arte, com um maior envolvimento directo com o mundo actual. A maioria dos museus e instituições de arte do estado não tem acompanhado a globalização e continuam a não ter uma importância decisiva junto de quem está interessado em trabalhar na arte e junto do público; mas por outro lado, o sector privado não ganhou peso inversamente! Está de acordo com esta visão?
JM: Estou completamente. É aqui que os que não querem e os que não podem se confundem. Há uma espécie de persistência num sincretismo, que tudo confunde, e que se recusa a ler o seu passado próximo. Não é preciso uma arqueologia complexa.
Bastaria ler com atenção esse passado recente. Houve orientações, públicas e especialmente privadas, que foram afastadas dos seus rumos naturais. Eu não vou prosseguir por falta de coragem e de tempo, mas acho que é uma grande e decisiva conversa que, mais cedo ou mais tarde, vamos mesmo ter que ter.
VPF: A arte contemporânea portuguesa parece estar encriptada, num labirinto que ela própria desenvolve e onde parece não existirem histórias interessantes para se contar a uma geração mais jovem. Se pedir para definir a cultura do nosso país, pensamos em arquitectos, poetas, ou mesmo em cineastas, mas poucas vezes aparecem nomes de artistas plásticos; a arte é como se não fosse parte da nossa identidade. Está de acordo que a arte não se descobre e aprofunda, não se cultiva no imaginário português?
JM: As artes nunca foram uma nossa companhia assídua. Evidentemente há excepções. Para ver os canibais brasileiros precisamos do Albert Eckout, não houve nenhum português à mão de semear.
Mas deixe lá, os arquitectos, os poetas e os cineastas que temos são o nosso orgulho e olhe que é verdade que o deserto é grande mas vão havendo oásis por aqui e por ali, o que já não é mau. Uma tradição supõe sempre grande quantidade e se observar as artes, ou melhor os artistas, eles têm vindo, apesar de tudo, sempre a crescer.
VPF: Ao contrário do desenvolvimento económico do país que deve crescer através das exportações, a cultura deve crescer primeiro no mercado interno; no entanto, vivemos constantemente a obsessão da internacionalização da arte. Para além do dinheiro que é necessário investir-se para a internacionalização se concretizar, o que é que o Jorge pensa serem os maiores desafios que os artistas portugueses enfrentam para se lançarem no mercado internacional? Para onde devemos olhar para encontrar as respostas? Qual é o ponto de partida?
JM: Tudo piorou, só cresceram as dificuldades. Foram-se as fronteiras (ou parte delas), mas as separações ficaram e cresceram. Há muito tempo falei de salvação a propósito dos animais de um museu de zoologia. Agora, e falando nas artes, acho que o esforço solitário pode ter mais chances de sucesso. Vivemos um tempo paradoxal e aparentemente homogéneo. Mas só aparentemente.
Com os poetas é diferente: têm que morrer; só assim podem ascender aos olhares de fora.
Com os arquitectos e os cineastas é diferente e é melhor. Nós, os outros artistas devemos seguir-lhes as pegadas.