|
|
CINCO DOS PRINCIPAIS ARTISTAS QUE TEM DE CONHECER DA EXPOSIÇÃO “ORPHISM” DO GUGGENHEIM2024-12-23 Inaugurado agora no Guggenheim, em Nova Iorque, “Harmonia e Dissonância: Orfismo em Paris, 1910–1930” reúne mais de 90 obras de arte deste fascinante momento histórico, expostas na icónica rotunda do museu. A exposição explora o movimento internacional à medida que este foi ganhando forma na capital francesa, analisando os impactos de formas de arte como a dança, a música e a poesia nos artistas que trabalham nesta modalidade. O orfismo foi um movimento de curta duração, inspirado no cubismo, fundado em Paris na década de 1910, quando os avanços da vida moderna estavam a derrubar as concepções tradicionais de tempo e espaço e os artistas, segundo a descrição do museu, “envolviam-se com ideias de simultaneidade em composições caleidoscópicas, investigando as possibilidades transformadoras da cor, da forma e do movimento.” O poeta Guillaume Apollinaire deu o nome ao movimento em 1912, referindo-se ao músico e poeta grego Orfeu, que via como a representação da arte pura. Em 1936, o diretor fundador do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque, Alfred J. Barr Jr., incluiu o orfismo no seu famoso fluxograma, que traçava o fluxo de influência entre os movimentos da arte moderna de 1890 a 1935. O orfismo foi o único que não indicado no gráfico de Barr como tendo influenciado quaisquer outros movimentos artísticos: é um beco sem saída. O Guggenheim anuncia a sua exposição como o primeiro exame aprofundado do orfismo e, em contraste com a estimativa de Barr, faz um esforço para demonstrar o impacto duradouro deste movimento frequentemente esquecido. “Queríamos enquadrar o surgimento da abstração em Paris num momento transformador e otimista no tempo, quando inúmeras inovações alteraram as concepções de tempo e espaço, colocando a noção de ‘simultaneidade’ no centro do palco”, disse a curadora da exposição Vivien Greene num e-mail. “Embora a história da arte considere geralmente muitos destes artistas individualmente ou em pequenos subconjuntos, e eles resistam frequentemente a rótulos, este esforço permitiu-nos ligar uma constelação transnacional de figuras (muitas das quais não eram francesas) e explorar semelhanças e diferenças entre elas. “No final do dia”, acrescentou Greene, “ficámos muito fascinados por tudo o que partilharam: um investimento na teoria da cor, o compromisso de expressar a experiência da modernidade e da simultaneidade, um interesse em como outras disciplinas poderiam desempenhar um papel tangível na arte visual — principalmente música, dança e poesia — e a aspiração de que a pintura pudesse transcender a tela e provocar efeitos multissensoriais.” Mas quem estava no centro do orfismo? Eis cinco dos principais participantes do movimento, todos eles incluídos na exposição. Robert Delaunay Metade de um dos casais mais famosos da história da arte, Robert Delaunay conheceu a artista nascida Sonia Terk em 1909, quando era um jovem artista que se estabelecia na capital francesa. Sonia deixou amigavelmente o seu casamento de conveniência com o negociante de arte Wilhelm Uhde, e o casal casou em 1910. Na década em que ele e Sonia criariam as suas obras-primas orfistas, e foi também membro do movimento Blaue Reiter, sediado em Munique, liderado por Wassily Kandinsky. Sónia Delaunay Nascida em 1885 na atual Ucrânia, Sonia Terk foi adotada em criança por um tio rico que lhe proporcionou um estilo de vida marcado pelas viagens e pelo acesso à cultura, preparando-a para a sua formação artística na Alemanha na viragem do século XX. Sonia era mais propensa a referir-se a si própria como uma simultanista do que como uma orfista. (Em 1925, os Delaunay chegaram a registar como marca registada o termo Simultanismo, que preferiam ao descrever o seu trabalho. Simultanismo fazia referência ao impacto visual das combinações de cores que ousadamente juntavam.) Os seus desenhos não se limitavam à tela: o seu trabalho era visto em passerelles e carros, sets de filmagem e mobiliário. Em 1917, criou os figurinos para a produção do bailado “Cleópatra” do crítico de arte e empresário de bailado Sergei Diaghilev (com Robert a criar os cenários) e abriu vários estúdios de moda durante a sua vida. František Kupka Nascido na República Checa em 1871, František Kupka estudou na Academia de Belas Artes de Viena e na École des Beaux-Arts de Paris antes de se tornar ilustrador em Paris. Profundamente espiritual e fascinado pela filosofia e pela teosofia, combinou o seu interesse pela teoria das cores e pela harmonia musical com a arte. Começou a criar rodas de cores na década de 1910, inspirado pela descoberta de Sir Isaac Newton no século XVII de que a luz solar é composta por sete cores. Daqui resultou a série de obras-primas orfistas de Kupka, os “Discos de Newton”, alguns exemplos das quais aparecem na exposição Guggenheim. “Divertimento I” (1935) de Kupka também foi restaurado especialmente para o programa. Amadeo de Souza-Cardoso O artista português Amadeo de Souza-Cardoso nasceu em 1887 e morreu apenas 30 anos depois vítima de gripe espanhola. Na sua curta vida, conseguiu construir uma reputação como pioneiro do modernismo português e rodeou-se de artistas de vanguarda da Europa, tornando-se amigo próximo dos Delaunay, que conheceu enquanto o casal viveu brevemente em Portugal durante a Primeira Guerra Mundial. Como Robert Delaunay, De Souza-Cardoso exibiu no Armory Show de 1913, exibindo pinturas fortemente inspiradas no cubismo e no futurismo italiano. Desafiando a categorização estrita, as obras de De Souza-Cardoso na exposição do Guggenheim deixam claros os limites do orfismo e o seu lugar num estilo de arte moderna em constante evolução. Jellett do Maine Criando as suas obras mais significativas na década de 1930, Mainie Jellett é celebrada em “Harmonia e Dissonância” como uma artista que manteve o estilo orfista vivo 20 anos após a conceção do movimento. Nascida em 1897 em Dublin, Jellett estudou na Metropolitan School of Art, na capital irlandesa. Foi apenas quando trabalhou com o pós-impressionista Walter Sickert, no final da década de 1910, que Jellett se comprometeu com uma carreira como pintora, tendo continuado as aulas de piano até então com a esperança de se tornar pianista concertista. As obras de Jellett estão entre várias na exposição que foram criadas na década de 1930 e posteriormente, demonstrando a influência duradoura do orfismo nos jovens artistas, muito depois da morte de Apollinaire. “Harmonia e Dissonância: Orfismo em Paris, 1910 – 1930” está patente no Museu Guggenheim, 1071 Fifth Aven, Nova Iorque, até 9 de março de 2025. Fonte: Artnet News |