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A EXPOSIÇÃO DO PRÉMIO TURNER DE 2026 É SOMBRIA MAS IMPACTANTE2026-09-25 Se há uma única conclusão a tirar da exposição do Prémio Turner deste ano é que o mundo é um lugar bastante fragmentado. A exposição foi inaugurada ontem no Middlesbrough Institute of Modern Art (MIMA), no nordeste de Inglaterra. Todos os quatro artistas selecionados abordam algum tipo de ideia de exploração ou ganância, apocalipse ou pobreza, luto ou tormento. Não é a edição mais alegre do prémio — o mais prestigiado da Grã-Bretanha —, mas também não vivemos propriamente nos tempos mais alegres. O apocalipse já aconteceu e passou no mundo da artista francesa Marguerite Humeau. Os seus ambientes esculturais para “Torches” são uma visão do nosso futuro pós-distópico, um tempo em que aprendemos a reconstruir-nos após a destruição. Orbes de cristal brilham no teto, uma trompa soa, tambores são rufados, formas de vidro e granito foram empilhadas no chão. Parece que acabou de entrar na sala de estar de um xamã. No espaço principal, ergue-se uma imponente estrutura feita de favos de mel entrelaçados; troncos com crescimentos fúngicos complexos estão espalhados pelo ambiente. Estas incríveis peças de arquitetura imaginam um mundo onde a humanidade aprendeu com os animais e com a natureza, adotou ideias de cooperação e comunidade e descobriu como se reconstruir. A mensagem de Humeau é positiva e otimista, sem ser piegas ou opressiva. As esculturas são símbolos de uma esperança especulativa: se nos unirmos, se aprendermos com o meio ambiente, talvez consigamos sobreviver ao que está para vir. A instalação de Tanoa Sasraku, intitulada "Morale Patch", lida mais diretamente com o sombrio aqui e agora. O pedestal central está coberto por dezenas de pisa-papéis em acrílico, cada um preenchido com uma pequena gota de crude. Trata-se de objetos corporativos atuais, mercadorias produzidas por empresas com nomes como Offshore and Alaska, Kandahar Oil Corporation e Gulf Keystone Petroleum. São objetos incrivelmente sinistros, pedaços transparentes de plástico moldados em globos, cubos e pirâmides, cheios de material tóxico extraído das entranhas da terra — cada um deles outrora exibido com orgulho nas mesas de executivos que enriqueceram com a indústria petrolífera. Todos carregam o peso das ideias de ganância e exploração, e da arrogância da humanidade. É difícil imaginar uma utilização mais eficaz do ready-made. As outras obras de Sasraku não são tão diretas, nem tão boas. Um enorme padrão de fato foi saturado com pigmento em bruto encontrado no Gana e na Cornualha; imagens ligeiramente listradas na parede fazem referência à Guerra contra o Terror e à Operação Escudo do Deserto. São um pouco subtis demais, especialmente em comparação com a grande bofetada conceptual na cara da obra principal. Simeon Barclay foi nomeado por “The Ruin”, uma performance de jazz com spoken word que apresentou em 2025 no Instituto de Arte Contemporânea de Londres sobre a autoestrada M62, que, infelizmente, considero quase insuportavelmente embaraçosa. Felizmente, há poucos vestígios desta performance no MIMA. Em vez disso, construiu uma estrutura de andaimes na galeria, um espaço temporário, um lugar que sugere que as coisas estão a ser construídas, que as coisas estão a mudar. Mas esta é a Grã-Bretanha moderna; as coisas raramente mudam para melhor. Balões no teto caem lentamente no chão, um letreiro de néon na parede pisca. Um filme mostra imagens de David e Victoria Beckham, do próprio Barclay num carro, nuvens a cruzar o céu inglês, passando por torres de alta tensão e fios elétricos enquanto uma música ambiente sinistra enche o espaço. A autoestrada M62 foi construída em meados do século XX para ligar partes do norte da Grã-Bretanha, atravessando a cordilheira dos Peninos, trazendo prosperidade e oportunidades. Toda a instalação questiona se alguma destas promessas se concretizou realmente, ou se o país continua a ser o mesmo deserto industrial, elitista e desolado de sempre. Não é tão sombrio como parece. Barclay tem um tom sempre irónico e sarcástico. É o artista mais conceptual da exposição, e definitivamente aproveita-se mais a obra quanto mais tempo se passa a observá-la. Kira Freije ocupou a galeria do piso superior com um conjunto de figuras fragmentadas e partidas para a sua instalação, “Unspeak the Chorus”. As suas esculturas ciborgues têm corpos metálicos ocos com membros e rostos fundidos em resina. Todas estão congeladas num momento de extrema emoção. Uma está deitada a rir num sofá, outra cobre o rosto em tormento. Um casal abraça-se de forma brincalhona, outro está imerso num momento de profunda tristeza. Toda a obra parece uma série de cenas de uma peça teatral melancólica. São momentos do quotidiano — de amor, tristeza e luto — fragmentados e congelados no tempo para que os decifre. É uma série de mesas inquietantes, emotivas e estranhas, memórias privadas expostas. Será a favorita da maioria dos críticos e tem, provavelmente, as melhores hipóteses de ganhar o prémio, mas a obra de Freije parece destoar das restantes — não é conceptual nem temática, é apenas emocional, e, como resultado, carece de um pouco de profundidade e substância. Há problemas com a exposição no seu todo. A exposição do Prémio Turner alterna a cada dois anos entre a Tate Britain, em Londres, e uma galeria ou museu diferente noutro local do Reino Unido. O espaço do MIMA não é realmente adequado para acolher tantos artistas: o som vaza entre as atuações, Humeau parece apertado e sufocado, e colocar a pobre Freije a quilómetros de distância, no seu próprio piso, faz com que tudo pareça totalmente desconexo. Mas esta é provavelmente a melhor colheita de nomeados para os Turners em anos. Por vezes, os momentos mais sombrios produzem a melhor arte. O vencedor será anunciado a 10 de dezembro. A exposição do Prémio Turner estará patente no Middlesbrough Institute of Modern Art, Center Square, Middlesbrough, Reino Unido, de 26 de setembro de 2026 a 29 de março de 2027. Fonte: ArtnetNews, Eddy Frankel |